导演懂技术很有助益，但也并不必需，两种情形的优点我都能理解。比如说，李安在技术方面很有悟性。对于他来说，32mm镜头与28mm镜头之间的细微差别意义重大，两种不同的滤镜也是如此。他非常懂得这种微妙的差别。如果我给他看两种胶片画面的差别，他能够看出来，而其他导演则可能视若无睹，这时你就得对这两种胶片的差别说得夸张一点了。奥利弗.斯通就是这样的导演，他不是那种细致入微的家伙。你提的建议必须清楚明了，而且也必须保证他能看到。我也和朱丽.泰莫合作过，她有一套独特的电影语言，但却不是那种对技术很精通的人，我觉得这挺好，因为她的想法不会被传统的框框束缚住，而我就必须从技术上想办法以实现她的想法。我试着不说那些很难的东西来限制她，所以她并没有意识到任何的限制，而这就成为了我们的有利因素。
————罗德里戈.普列托，ASC，弗洛斯特采访，2007年6月26日
导演首先需要考虑演员的调度（blockingof the actors） 和画面构图（composition of the frame ）。理解电影摄影的基本原理是通过突出剧本的主题元素来讲故事，这对高效率的电影制作是绝对必要的。这直接关系到对镜头焦距以及镜头之间差别的理解，例如是使用定焦镜头还是变焦镜头。对于理解景深的特性和如何将这些特性转化成银幕效果也相当重要。
我喜欢电影制作中技术层面的东西，但也只能喜欢而已，因为在我周围有一帮真正的技术人员。实际上我所知道的东西大多是从《美国电影摄影师》（AmericanCinematographer）杂志上学到的。那上面的一些文章有点偏技术，这就刺激我想更多地学习。不过我仍然还是有点“勒德分子”的倾向，我觉得我可能在这方面了解得多但做得少。
———保罗.托马斯.安德森［Paul Thomas Anderson］，《美国电影摄影师》，2008年1月刊，第39页
一个导演还必须知道影像是运动的还是静止的，是通过运动手段传达给观众好还是少一些运动好。了解运动的类型以及完成这些运动的器材也十分重要。“斯坦尼康”的运动与移动车或手持摄影机的运动有很大差别，会传达出完全不同的视觉信息和情绪效果。
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2017/7/1 0:00:01
导演应该了解的摄影基础
导演应该考虑影片的视觉基调（visualpalette）是什么样的：通过运用色彩，他们在告诉观众那些关于角色以及环境的信息。还要理解光线的基本面貌，以及如何利用它去强调电影故事的主题，这些都非常有用。某些光线的运用在很大程度上可以由影片类型决定（例如喜剧倾向于明亮而少用阴影），关于类型片在第6章将有详解。但还有许多其他可行的选择：柔和的光效、刺眼的光效、柔和的高调画面或者有颗粒感且充满阴影的画面……我们会在后边的章节分别对这些光效进行细致地讲解。
1、焦距和镜头：
学会如何使用导演取景器，或者至少学会将摄影机当成自己的取景器以检查构图和光效。你不一定能说出镜头焦距是多少毫米，但要大致知道你需要的是哪一种景别——全景、中景或特写（LS、MS、CU）——以及用在什么地方。
2、镜头调度摄影机运动所必需的器材：
是移动车运动、“斯坦尼康”运动、手持运动、摇臂运动还是跟拍运动？要了解它们之间的美学差异。
3、视觉基调：
你认为你的影片应该是什么颜色或什么色调？暖调还是冷调，琥珀色还是蓝色？了解你为何选择这种特定的视觉基调。这些色彩及其变化要表达影片或角色的什么东西？
4、照明基础：
是选择高调还是低调的照明，是软调还是硬调的照明？影片昏暗阴郁还是明亮欢快？
5、电影史：
导演还应该了解电影的过去和现在。电影史、电影类型、电影风格以及其他导演的作品，这些知识都很有必要。
掌握这些基础知识便能与摄影师更有效地沟通，还能帮助后者做好本职工作。如果他们理解了导演想要什么，就能够基于自己的技术知识和经验提出建议了。就像导演了解一些电影技术会从中受益一样，摄影师也需要了解一些导演知识如机位的选择和导演使用某个特定镜头想要说什么等。如果摄影师懂得一些演员的专业知识，那也很有帮助，就能够利用摄影的技术技巧来加强影片的表演。